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Instructional Videos are available for download!

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I’m happy to announce the release of my first instructional video series! If you are looking to break out of the box and attain your own voice on the instrument, this guitar masterclass series is for you. Some of the topics covered: Technique, Improvisation, Creative Uses of Open Strings, Hybrid Picking, Progressions, Using Restrictions, Palindromes, Linear Approach, Symmetrical Shapes, Voice Leading, Advanced Linear Approaches to Standard Progressions, Unusual Voicings, Non-Traditional Sounds, the “Cascade Effect”, etc.

Part 1: https://www.mymusicmasterclass.com/premiumvideos/gustavo-assis-brasil-jazz-guitar-lesson-1/

Part 2: https://www.mymusicmasterclass.com/premiumvideos/gustavo-assis-brasil-jazz-guitar-lesson-2/

Part 3: https://www.mymusicmasterclass.com/premiumvideos/gustavo-assis-brasil-jazz-guitar-lesson-3/

Part 4: https://www.mymusicmasterclass.com/premiumvideos/gustavo-assis-brasil-jazz-guitar-lesson-4/

 

 

 

“Chromatic Dialogues” reviewed by Fabio Bortolazzo Pinto (English and Portuguese)

The Mosaic of the Musical Bricoleur

Annotations on Gustavo Assis-Brasil’s Sound Kaleidoscope

By Fabio Bortolazzo Pinto

Chromatic Dialogues (2016) is a tribute from Gustavo Assis-Brasil to the artists and musical styles that have influenced him. It is a tribute in the form of a bricolage, in the manner of the artistic vanguard of the first half of the last century. It contains 11 original compositions, which, as the title indicates, are also dialogues, exchanges of ideas, a collective production.  From an anthropological point of view, bricolage is the joining of various elements which form something unique and the choice of the elements has much to do with the person who chose them.

For more than twenty years Gustavo has been developing himself technically, as a musician, as a professor and as an artist. He discovered, for example, a particular way of playing guitar, alternating the pick and fingers, which he explained methodically and shared with the world in Hybrid Picking for Guitar (2005).  And he developed something else as well: listening.

From the mid-eighties, when he started playing, while still in his hometown in the extreme south of Brazil, at popular music festivals, going through hard rock bands in the nineties, arriving at jazz, to professionalization and the search for his own style, then living in the United States, nothing appears to have escaped Gustavo’s aesthetic perception, none of his experiences appear to have been forgotten or forsaken.  Chromatic Dialogues confirms this.

From the “rocker” rift that opens the album to the ambience of the final “dialogues” what one hears is a radical mixing exercise in which one finds, sometimes in the same composition, apparently incompatible references such as dodecaphonism and South American folk music.

Let’s try to trace some of the speakers with whom Gustavo combines and recombines the twelve notes of the chromatic scale. King Crimson from “Larks Tongues in Aspic” is one of the probable references in the composition that opens the album, “Gee”; in sequence, “Always There”, a very unconventional re-reading of “Prenda Minha”, the anonymous song of a folk artist from Rio Grande do Sul, re-baptized as “Song No. 2” by Miles Davis in 1963.

“CC”, the third track on the album, would not sound out of place in some of John Zorn’s “Filmworks” or as a sound ambience in a suspense movie. “Dialogue 1”, the first of a series of four compositions, is an expressionist musical panel, disturbing, which alternates, dizzyingly, deep and high-pitched tones, echoes and sound effects. “Olivia” would be a gentle conversation with the melodic universes of Pixinguinha and Tom Jobim, if it weren’t also a waltz crossed by solos that reminds one of Frank Zappa strolling through Twin Peaks. All of this punctuated by a theme that reminds one, once again, of the music from the South of Brazil.

“Study #5”, perhaps the most lyrical composition of the album, is loaded with images: of loneliness, of the cold mornings of the Gaucho pampa, of the melancholic contemplation of nature. The audio-visual ambiences, incidentally, are everywhere. As in “Dialogue 2”, an unusual crossing of the Twilight Zone theme with the “interstellar” compositions of Robert Fripp and Brian Eno, and in the long “Pro Sapo”, a cubist composition that starts out in a straightforward manner and soon becomes an enigmatic equation whose common point is atonality.

“Dialogue 4 (about Allan)” comes before “Dialogue 3”, which ends the album. Another subversion, among many which characterize the album. Its climate of mystery, constructed from the unexpected encounter of long chords with a drum solo, had it been accompanied by a bandoneon, would not sound strange on any more experimental Astor Piazzolla album. And even so, somehow, one perceives that the conversation here is with Allan Holdsworth, one of the artists with whom Gustavo dialogues most productively and for a very long time.

Besides Holdsworth, Gustavo’s kaleidoscope is also formed by long conversations with essential names of jazz fusion, like John Scofield and Lee Ritenour, or with more “conventional” jazz musicians such as Joe Pass and Wes Montgomery.  At a perhaps not so conscious level, there are dialogues with Asian music, especially with the Indian melodic system, with the experimentation on the last works of Coltrane, with Schoenberg, with Béla Bartok, with Villa-Lobos, and with Jaco Pastorious. One of the words that best describes the melodic dialogues, both tonal and atonal, that are laid out on this album is, without a doubt, ‘eclecticism’.

The decomposition of light and its re-composition in color is organized on the chromatic wheel, formed by 12 different colors, which helps one to visualize primary, secondary and tertiary colors which form the visible spectrum. In the musical field, the chromatic scale is formed of 12 notes divided by intervals, the semitones.

The chromatic musical scale, is, above all, a metaphor that associates two forms of perception of the world, as if affirming that what is perceived by the eye (light, color) can also be perceived by the ear. Understanding this metaphor helps one to understand the richness of the Chromatic Dialogues composed by Gustavo Assis-Brasil. It helps one to understand, but not to feel. And, since of all artistic expressions, music is the one that most easily dispenses with rationality and previous knowledge, and because of that, is the most democratic of the arts, it may be unnecessary to stretch this analysis any further. There are more important things to do, like listening, repeatedly, in the light of sound, decomposed and recombined in the vast repertoire of musical colors at Gustavo’s disposal.

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O mosaico do bricoleur musical 

Anotações sobre o caleidoscópio sonoro de Gustavo Assis-Brasil

por Fabio Bortolazzo Pinto

Chromatic Dialogues (2016) é uma homenagem de Gustavo Assis-Brasil aos artistas e estilos musicais que o influenciaram. Homenagem em forma de bricolagem, ao modo das vanguardas artísticas da primeira metade do século passado. São 11 composições originais que, como o próprio nome indica, são também diálogos, trocas de ideias, produção coletiva. Para a antropologia, a bricolagem é a junção de diversos elementos que formam algo único, e a escolha de tais elementos diz muito a respeito daquele que os escolheu.

Há mais de vinte anos Gustavo vem se desenvolvendo tecnicamente, como músico, como professor, como artista. Descobriu, por exemplo, um jeito particular de tocar, alternando a palheta e os dedos, que explicou metodicamente e compartilhou com o mundo, em Hybrid Picking for Guitar (2005). E desenvolveu também uma outra coisa: a escuta.

Da metade dos anos 80, quando começou a tocar, ainda na terra natal, no extremo Sul do Brasil, em festivais de música popular, passando por bandas de hard rock, nos anos 90, chegando ao jazz, à profissionalização e à busca de um estilo próprio, já radicado nos Estados Unidos, nada parece ter escapado à percepção estética de Gustavo, nenhuma das experiências parece ter sido esquecida ou desprezada. Chromatic dialogues confirma isso.

Da levada ‘rocker’ que abre o disco até a ambiência dos ‘dialogues’ finais, o que se ouve é um exercício radical de mestiçagem em que se encontra, por vezes em uma mesma composição, referências aparentemente incompatíveis como o dodecafonismo e a música folclórica da América do Sul.

Vamos tentar fazer o mapeamento de alguns dos interlocutores com os quais Gustavo combina e recombina as doze notas da escala cromática. O King Crimson de “Larks Tongues in Aspic” é uma das prováveis referências na composição que abre o disco, “Gee”;  na sequência, “Always there”, uma releitura nada convencional de “Prenda Minha”, canção anônima do cancioneiro folclórico sul rio-grandense rebatizada como “Song n 2” por Miles Davis, em 1963.

“CC”, a terceira faixa do disco, não soaria deslocada em algum dos Filmworks de John Zorn ou como ambiência sonora em um filme de suspense. “Dialogue 1”, a primeira de uma série de quatro composições, é um painel musical expressionista, perturbador, que alterna vertiginosamente tons graves e agudos, ecos e efeitos sonoros. “Olivia” seria uma amena conversa com os universos melódicos de Pixinguinha e de Tom Jobim, não fosse também uma valsa atravessada por solos que lembram um Frank Zappa passeando por Twin Peaks. Tudo isso pontuado por um tema que lembra, ainda uma vez, a música do Sul do Brasil.

“Study #5”, talvez a composição mais lírica do disco, é carregada de imagens: da solidão, das manhãs frias do pampa gaúcho, da contemplação melancólica da natureza. As ambiências audiovisuais, aliás, estão por toda a parte. Como em “Dialogue 2”, um inusitado cruzamento do tema de Twilight Zone com as composições ‘interestelares’ de Robert Fripp e Brian Eno, e na longa “Pro sapo”, composição cubista que inicia de forma cândida e logo se torna uma equação enigmática cujo ponto comum é o atonalismo.

“Dialogue 4 (about Allan)” vem antes de “Dialogue 3”, que fecha o disco. Mais uma subversão, entre tantas que caracterizam o disco. O clima de mistério, construído a partir do inesperado encontro de acordes longos e solo de bateria, se fosse acompanhado de um bandoneon, não soaria estranha em qualquer disco mais experimental de Astor Piazzolla. E ainda assim, de alguma maneira, percebe-se que a conversa aqui é com Allan Holdsworth, um dos artistas com que Gustavo dialoga mais produtivamente e há muito tempo.

Além de Holdsworth, também formam o caleidoscópio de Gustavo os longos papos com nomes essenciais do jazz fusion, como John Scofield e Lee Ritenour, ou do jazz mais ‘convencional’, como Joe Pass e Wes Montgomery. Em um nível talvez não tão consciente, os diálogos com a música oriental, especialmente com o sistema melódico indiano, com os experimentos dos últimos trabalhos de Coltrane, com Schoenberg, com Béla Bartok, com Villa-Lobos, com Jaco Pastorius. Uma das palavras que melhor define os diálogos melódicos, tonais e atonais, estabelecidos neste disco, é, sem dúvida, ‘ecletismo’.

A decomposição da luz e sua recomposição em cor é organizada através do círculo cromático, formado por 12 diferentes cores, que ajudam a visualizar as cores primárias, secundárias e terciárias que formam o espectro visível.  No campo musical, a escala cromática é composta por 12 notas divididas por intervalos, os semitons.

A escala cromática musical é, sobretudo, uma metáfora que associa duas formas de apreensão do mundo, como se afirmasse que o que é percebido pelo olho (luz, cor) pode também ser percebido pelo ouvido. Entender essa metáfora ajuda a entender a riqueza dos Chromatic Dialogues compostos por Gustavo Assis-Brasil. Ajuda a entender, mas não a sentir. E já que, de todas as expressões artísticas, a música é a que dispensa mais facilmente a racionalidade e o conhecimento prévios, sendo por isso a mais democrática das artes, talvez seja desnecessário alongar-se mais na análise. Há coisas mais importantes, como ouvir, repetidas vezes, a luz do som, decomposta e recombinada no vasto repertório de cores musicais de que Gustavo dispõe.

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